Juan Liscano (geb. 1915), ist ein Mann mit einer komplexen, vielschichtigen und kontroversen Persönlichkeit, ein produktiver Dichter und sehr oft ein tiefgründiger und anregender Essayist und Verfasser von Zeitungsartikeln. Im Jahr 1968, unserem annus mirabilis, veröffentlichte Monte Avila seine Anthologie „Nombrar Contra el Tiempo“, eine umfangreiche Auswahl seiner ersten sechs Gedichtbände. Es ist fast unmöglich, Liscanos quecksilbrig-polyphone, fast dramatische Poesie zu bezeichnen, die demnächst in ihrer Gesamtheit in der Biblioteca Ayacucho veröffentlicht wird. Insbesondere seine Essays, „Epiritualidad y Literatura“ und „Los Mitos de la Sexualidad“, sind reich an tiefen Einsichten über die Notlage des modernen Menschen in einer Welt, der wahre religiöse Werte vorenthalten werden.
Ana Enriqueta Terán (geb. 1918) Ana Enriqueta Terán ist wohl die beste Dichterin Venezuelas. In der gesamten spanischsprachigen Welt gefeiert, ist sie unter den Anglophonen fast unbekannt. Bisher sind nur eine Handvoll ihrer Gedichte ins Englische übersetzt worden, was bestenfalls einen verwässerten Eindruck einer einzigartig intensiven Vorstellungskraft vermittelt (Mehr).
José Ramón Medina (geb. 1921), Gründer und Direktor der Biblioteca Ayacucho, deren Anthologie „Ser Verdadero“ auf der hinteren Liste von Monte Avila erscheint, ist Autor von über fünfzehn Gedichtbänden und ein ausgezeichneter Kritiker und Historiker unserer Literatur. Seine Gedichte, von „La Edad de la Esperanza“ (1947) über „Sobre la Tierra Yerma“ (1971) bis hin zu „Certezas y Presagios“ (1984) sprechen, wie Fernando Paz Castillo es ausdrückte, von „kleinen Dingen, die in der Nähe Gottes, des Todes und seiner tiefen philosophischen Beschäftigung sind“. José Ramón Medina ist auch der Autor eines wichtigen Geschichtsbuchs, „50 Anos de Literatura Venezolana“, das 1969 bei Monte Avila erschien und das er alle zehn Jahre rezensiert und aktualisiert.
Juan Sánchez Peláez (geb. 1915) ist vielleicht der reinste aller venezolanischen Dichter. Ich verwende das Adjektiv „rein“ hier jedoch nicht in dem Sinne, wie es in den zwanziger Jahren in Frankreich von dem Kritiker Henry Bremond oder dem Dichter Paul Valery verwendet wurde, wenn sie von Poesie pur sprachen. Überhaupt nicht. Die Reinheit von Juan Sánchez Peláez rührt von seiner surrealistischen Auffassung der Poesie und des Schöpfungsaktes her. Er ist rein in dem Sinne, dass er sich ganz und ausschließlich dem Schreiben von Poesie widmet, der Erforschung unbekannter Gebiete der Seele wie des Körpers und dem Hören auf das Diktat des Unbewussten. Seine „Poesía 1951-1981“ (Monte Avila, 1984) enthält alle Gedichte dieses Visionärs und Wahrsagers.
Wir müssen uns nun einer jüngeren Generation von Dichtern zuwenden, d.h. jenen, die etwa zwischen 1930 und 1950 geboren sind. Doch bevor wir dies tun, halte ich es für absolut notwendig, innezuhalten, um eine kuriose und wichtige Figur unserer Briefe zu erwähnen, deren hundertjähriges Jubiläum in diesem Jahr begangen wird. Ich beziehe mich auf Jose Antonio Ramos Sucre, ein mürrischer und mürrischer Mensch, ein tragischer Mann, der 1930, wenige Tage nach seinem vierzigsten Geburtstag, in der Schweiz Selbstmord beging. Ramos Sucre entwickelte sich in unserem Land, indem er das Prosagedicht zu seiner Vollendung brachte und das kultivierte, was T. S. Eliot in einem berühmten Essay eine Poesie der Unpersönlichkeit nannte. In der Tat hat Ramos Sucre in der Absicht, sich selbst aus seinem Schaffen auszulöschen, immer wieder auf maskierte Sprecher zurückgegriffen (so wie es Robert Browning im viktorianischen England getan hatte) und, um jeden Hinweis auf die schreckliche politische und soziale Situation unseres Landes zu vermeiden (die Zeiten der Diktatur von Juan Vicente Gomez: 1908-1935), in fast jedem Gedicht auf verschiedene Perioden der europäischen Literatur und Geschichte angespielt, mit einer Marktvorliebe für das Mittelalter und die Renaissance, natürlich durch die verzerrende Linse eines skurrilen und etwas verspäteten Präraffaeliten betrachtet. Wie alle wahren Dichter ist Ramos Sucre einzigartig und unnachahmlich. Dennoch wurde er in den späten fünfziger Jahren von einigen, wenn nicht allen Dichtern meiner Generation, unter denen man willkürlich nennen kann, wiederentdeckt und sehr bewundert: Francisco Perez Perdomo, Juan Calzadilla, Guillermo Sucre und Eugenio Montejo. Was diese und andere Dichter, die sich so sehr von Ramos Sucre unterschieden, an ihm fanden und bewunderten, war, so neige ich dazu zu denken, Ramos Sucres fesselnde und totale Beschäftigung mit dem Handwerk der Poesie, seine brillante, wenn auch sprunghafte historische Gelehrsamkeit und sein Beharren darauf, so viele Dichter der Vergangenheit in ihrer Originalsprache zu lesen, eine Reihe von Merkmalen, die ihn definitiv als den einzigen Vorläufer von Jorge Luis Borges in unserem Land ausweisen.
Rafael Cadenas (geb. 1930) war ein sehr frühreifer Autor. Sein erstes Buch, „Cantos lniciales“, erschien 1946, als der Dichter gerade sechzehn Jahre alt geworden war. In seinem „Panorama de la Literatura Venezolana Actual“ (1973) sagte Juan Liscano, dass in diesem ersten Werk, das von einem Jungen geschrieben wurde, der wie kein anderer dazu bestimmt war, Gedichte zu schreiben, der Ausdruck von Gefühlen durch ein nüchternes und taktvolles Schreiben überraschend ist, da es von einem Heranwachsenden stammt. Cadenas Stil in diesem Buch, der heute unmöglich zu finden ist, wurde durch seine Lektüre von Rabindranath Tagore, dem Spanier Juan Ramon Jimenez und dem Argentinier Francisco Luis Bernardez beeinflusst, wie Salvador Garmendia in seinem Vorwort betonte.
Rafael Cadenas hat die folgenden Bücher veröffentlicht: „Los Cuadernos del Destierro“ (1960), Prosagedichte, in denen der Einfluss von Rimbaud und Ramos Sucre zu finden ist, „Faisas Maniobras“ (1966), „Memorial“ und „lntemperie“ (1977) und „Amante“ (1983), in denen es sinnlos ist, nach konkreten, spezifischen Einflüssen zu suchen, weil ihr Autor in den sechs Jahren, die zwischen „Los Cuadernos del Destierro“ und „Falsas Maniobras“ verstrichen sind, war in der Lage, seine umfangreichen Lektüren aufzunehmen und zu integrieren und sie in das Fleisch und die Knochen seiner poetischen Suche zu verwandeln, einer Suche, die immer kurz davor steht, Kadenas in die sprichwörtliche Stille der Mystiker zu führen, wie wir vielleicht beim Hören des folgenden Gedichts mit dem Titel „Satori“, das ich Ihnen in meiner eigenen Übersetzung vorlesen möchte, erkennen können:
Francisco Perez Perdomo (geb. 1930) ist der Autor von vier Gedichtbänden, die alle bei Monte Avila erschienen sind: „Huespedes Nocturnos“ (1971), „Ceremonias“ (1976), „Circulos de Sombras“ (1980) und „Los Ritos Secretos“ (1988). Wie der Titel seines jüngsten Buches treffend andeutet, erzählt uns Perez Perdomos Dichtung von den Bemühungen des Dichters, seine Obsessionen zu zähmen und mit seinen Geistern zu leben, d.h. mit den grandiosen und bisweilen obszönen Schöpfungen seiner Phantasie.
Ramon Palomares (geb. 1935) hat einen bedeutenden Korpus poetischer Schriften geschaffen, der in „Poesfa“ gesammelt, 1977 von Monte Avila herausgebracht und 1985 in einer Faksimile-Ausgabe reproduziert wurde. Die Poesie von Palomares ist unser angestammtes Gedächtnis. In ihr können wir lesen, in einer Einzahl, die von einem Heranwachsenden stammt.
Über Eugenio Montejo (geb. 1938), Autor mehrerer Gedichtbände, unter denen man „Algunas Palabras“ (1976), „Terredad“ (1978), „Tropico Absoluto“ (1982) und „Alfabeto del Mundo“ (1987) erwähnen muss. In einem Essay, der in meinem Buch „Entre el Silencio y la Palabra“ enthalten ist, habe ich geschrieben, dass sich seine kosmische Poesie im Rhythmus der Bewegungen der Erde und der anderen Planeten bewegt, eine Poesie, die die irdischen Aspekte der Welt nostalgisch betrachtet, eine Poesie über Vögel, Flüsse und Bäume.
Ein Dichter, der dem Boden, seiner Heimat, und nicht der Erde nahe ist, ist Luis Alberto Crespo (b. 1941), Autor der Gedichte „Costumbre de Sequia“ (1977), „Resolana“ (1980) und „Entreabierto“ (1984), die alle bei Monte Avila erschienen sind; „Senores de la Distancia“ (1988), herausgegeben von Editorial Mandoria (ein interessantes Projekt von Juan Liscano) und „Mediodia o Nunca“ (1989), herausgegeben von Tierra de Gracia Editores.
Hanni Ossott (geb. 1946) hat mehrere Gedichtbände geschrieben. Sie schreibt, während sie lebt, in engem Kontakt mit den Mysterien der Existenz und immer das fühlend, was George Bataille die Erfahrung der Grenzen nannte. 1982 brachte Monte Avila ihre „Espacios de Ausencia y de Luz“ heraus; und 1986 veröffentlichte Mandoria „El Reino Donde la Noche se Abre“, wo diese ausgezeichnete Übersetzerin von D. H. Lawrence und Rilke uns einlädt, mit ihr die nächtliche Welt des Gedichts zu erforschen, die im Augenblick seiner Entstehung eingefangen wurde.
Tierra de Gracia Editores hat vor kurzem auch „Mi Sagrada Familia“ herausgebracht, die zweite Ausgabe eines bezaubernden Gedichtbandes von Enrique Hernandez D’Jesus (geb. 1947), eines der Schlüsselbücher dieses Dichters, der 1968 erstmals bei Monte Avila erschien. Hernandez D’Jesus hat aus seiner eigenen Familie und aus seiner andinen Kindheit und Jugend eine Fabel gemacht, in der sich reale und erfundene Tatsachen auf bewegende und phantasievolle Weise vermischen.
Es wäre, kritisch gesehen, ungerecht, hier nicht das Erscheinen eines jungen Dichters, Rafael Arraiz Lucca (geb. 1959), der bereits zwei bemerkenswerte Bücher veröffentlicht hat, in unserer literarischen Welt zu erwähnen: „Terrenos“ (Editorial Mandoria, 1985) und „Almaeon“ (1988), für die dieser brillante Schriftsteller und wichtige Persönlichkeit unserer Kultur- und Verlagswelt 1987 mit dem Fundarte-Preis für Poesie ausgezeichnet wurde.
Wenden wir uns nun dem Beitrag Venezuelas zur Belletristik zu. Hier ist es notwendig, wenn auch nur für einen kurzen Moment, auf einige Persönlichkeiten der ersten Hälfte dieses Jahrhunderts zu verweisen, die die solide Grundlage bilden, auf der die Entwicklung unseres Romans steht. Wir beginnen mit einem international bekannten Schriftsteller: Romulo Gallegos (1884-1969), der in einem langen Leben, das dem Lehren, Schreiben und der Teilnahme am politischen Leben unseres Landes gewidmet war, etwa acht Romane veröffentlicht hat, von denen ich einige erwähnen möchte: „Dona Barbara“ (1929), „Cantaclaro“ (1943) und „Canaima“ (1935). Romulo Gallegos ist, wie einige von Ihnen zweifellos gehört haben, Venezuelas beliebtester und meistgeliebter Romancier.
Wenn man über venezolanische Belletristik der sechziger Jahre spricht, muss man sich unbedingt auf einen anderen bewunderten und einflussreichen Schriftsteller beziehen. Ich spreche von Guillermo Meneses (1911-1978).
Meneses schrieb fünf Romane, mehrere Kurzgeschichten und viele Essays und Zeitungsartikel, aber sein Meisterwerk, das Werk, das einen tiefen und bleibenden Eindruck auf meine Generation gemacht hat, ist sein „El Falso Cuaderno de Narciso Espejo“ (1 952), das in Monte Avilas „Cinco Novelas“ (1972) und in der Anthologie „Espejos y Disfraces“ (1981) der Biblioteca Ayacucho enthalten ist. Der spanische Titel des Meisterwerks von Meneses ist etwas schwierig ins Englische zu übersetzen. Wenn wir dazu gezwungen wären, wären wir auch verpflichtet, dem englischsprachigen Leser zu erklären, dass Narciso in unserer Sprache ein sehr gebräuchlicher Männername ist, der natürlich Narcissus bedeutet, und dass Espejo, was, wie viele von Ihnen wissen, „Spiegel“ oder „Spiegel“ bedeutet, in allen spanischsprachigen Ländern auch ein weit verbreiteter Nachname ist.
Salvador Garmendia (geb. 1928) ist ein weiterer der interessantesten Erzähler Venezuelas. Lassen Sie uns hier einige seiner Romane erwähnen. „Los Pequenos Seres“ (Sardio, 1959; Monte Avila, 1972), mit dem Garmendia ein erstaunliches Jahrzehnt der Belletristik beginnt, das dazu bestimmt ist, unserem realistischen Roman neues Leben einzuhauchen, erzählt die Geschichte eines langen Tages im Leben eines Bürokraten, Mateo Martan, eines entwurzelten Individuums, das sich inmitten einer grausamen und gedankenlosen Stadt verirrt hat und trotz all seiner diesbezüglichen Bemühungen nicht in der Lage ist, seine eigene Vergangenheit zu rekonstruieren, um einen Blick auf seine eigene Identität zu erhaschen. „Los Habitantes“ (1961; Monte Avila, 1968) erzählt die Geschichte einer bürgerlichen Familie, die sich nach und nach auflöst und deren Mitglieder, statt sich gegenseitig zu Opfern zu machen, zu ihren eigenen Henkern werden. 1963 brachte Salvador Garmendia seinen sowohl in Bezug auf die Erzählkonstruktion als auch auf den Erzählstil vollendetsten Roman heraus: „Dia de Ceniza“ (Monte Avila, 1968), ein düsterer und schrecklicher Roman, in dem wir eingeladen sind, die letzten Tage im Leben von Miguel Antunez mitzuerleben, einer Figur, die – wenn dies möglich ist – noch mittelmäßiger und entfremdeter ist als Mateo Martan, der inmitten von Karnevalsfesten und Trinkgelagen von der Erniedrigung zum unvermeidlichen Selbstmord übergeht.
Adriano Gonzalez Leon (geb. 1931) beginnt 1957 mit einer Sammlung von Kurzgeschichten unter dem Titel „Las Hogueras mas Altas“ mit einer Einführung von Miguel Angel Asturias, dessen berühmter Roman „Hombres de Maiz“ viele unserer Erzähler tief beeindruckt hat. Diese erste Sammlung von Kurzgeschichten führte in die kreative venezolanische Prosa eine sehr persönliche Kombination des magischen Realismus des guatemaltekischen Autors mit einigen wichtigen Merkmalen der Poesie Andre Bretons sowie der Poesie bestimmter Vorläufer des Surrealismus wie Lautreamont und Rimbaud ein.
Jose Balza (geb. 1939) schreibt und veröffentlicht seit 1965, dem Jahr, in dem „Marzo Anterior“ erschien, Belletristik. Dieser jugendliche Roman, die erste „Erzählübung“ seines Autors, wie Balza bescheiden darauf besteht, seine Bücher der Belletristik zu nennen, basiert auf einer frühen und fruchtbaren schöpferischen Intuition, die er in seinen frühen Zwanzigern hatte – dass von der psychischen Vielfalt in jedem Individuum, eine Entdeckung, die, wie ich annehme, durch die gründliche Lektüre von Marcel Proust gemacht wurde.
Ich möchte diesen kurzen Überblick über unsere zeitgenössische Belletristik nicht beenden, ohne die Namen von zwei Schriftstellern zu erwähnen, die beide 1941 geboren wurden: Luis Brito Garcia, Autor von „Abrapalabra“, einem hochgradig strukturierten formalen und sprachlichen Experiment voller Humor und Gesellschaftskritik, und Eduardo Liendo, Autor eines der besten Kurzromane des letzten Jahrzehnts, „Los Platos del Diablo“ (1985), und des Bestsellers „El Mago de la Cara de Vidrio“, der ursprünglich 1973 veröffentlicht wurde.
Entnommen und übersetzt für buchtipp.de aus der Publikation Arts and Literature, herausgegeben von der Botschaft von Venezuela, Washington DC.
Kommentar verfassen